Hace un mes que se estrenó Merlí: Sapere aude, spin-off y secuela de Merlí, pero con la notable diferencia de que el personaje principal, el que le da título a la serie no es el centro de la trama. En esta nueva serie, todo girará en torno a Pol Rubio, quien ha decidido estudiar la carrera de Filosofía, la famosa carrera sin salidas.
Si no habéis visto Merlí, no sigais leyendo y echadle un ojo a las tres temporadas.
Continuar leyendo «Merlí: Sapere aude. Amor y muerte.»Después de haber visto a Richar Madden en Medici, serie de la que pretendo escribir pronto, me resultó inevitable empezar otra serie en la que fuera el protagonista, aunque esta vez en un rol muy diferente.
Estamos ante un thriller político con temas de actualidad: guerra, terrorismo islámico, censura, estado policial… Pero no solo eso, sino que pone en evidencia algunos problemas que pasan desapercibidos muchas veces. Puede que os esté aburriendo, pero os garantizo que esta serie merece la pena verla. No se puede decir que sea aburrida, porque en cada capítulo siempre hay un gran momento de acción, a veces incluso más de uno; sobre todo, en los primeros capítulos.
Al final todos los cabos sueltos quedan atados. Un final cerrado con final feliz, sin dejar un mísero cliffhanger para los que hemos alucinado con esta serie.
Después de todo, se desvela que el frío y calculador David Budd es humano y se desmorona en la consulta de la terapia ocupacional. Una escena breve, pero conmovedora, haciéndonos ver que no ha sido fácil por todo lo que ha pasado., pero recompensado porque puede volver con su exmujer e hijos.
Una serie corta, de apenas seis capítulos, pero intensa y con una 2ª temporada aún en el aire
Gran parte de las personas en su infancia habrá jugado a Pokémon, en una versión 2D y 8 bits, con colores poco variados en una consola Game Boy. Recordar aquellos momentos es lo que nos ofrece este juego de una prolífica saga como es la de Pokémon. Intenta llevarnos por un clásico como Pokémon Amarillo con modelado 3D y por fin una paleta de colores como nunca antes se ha visto en la saga.
En el viaje por la mítica región de Kanto nos depara grandes novedades que no aparecía como tal en la versión de Game Boy, podremos capturar los Pokémon iniciales Squirtle, Bulbasaur y Charmander durante nuestra aventura en diversas rutas para así elegir el que mejor nos convenga con nuestro estilo de juego. Otra novedad es que si uno de estos entrañables monstruos aparece en su versión varicolor —comúnmente conocida como shiny— se ve a simple vista que es diferente al resto de dicha especie.
Cabe destacar que en estas entregas están incluidos los míticos Red (Rojo), Blue (Azul) y Green (Verde) como entrenadores contra los que enfrentarse con sus Pokémon más característicos. Para los que hallan leído el manga será una delicia poder disfrutar combatiendo contra ellos e intentar superarlos como mayor reto del juego.
Lamentablemente, lo malo de tener dos ediciones es, como lleva pasando desde los primeros juegos de la saga, es que hay Pokémon exclusivos para cada una de las ediciones.
Otro dato que menos gusta en la comunidad de Pokémon es que solo están incluidos en dicho juego los 151 primeros Pokémon más los nuevos Pokémon creados para la ocasión: Meltan y, su evolución, Melmetal. Estos Pokémon singulares tipo eléctrico acero. Ocupan el número 152 y 153 de la pokédex. Para conseguir a Mew, tendremos que gastarnos el dinero en comprar un complemento llamado Pokeball Plus ya que en su interior esta este Pokémon tan ansiado.
Además se implementa una conexión entre Nintendo Switch y Pokémon Go para poder transferir nuestros Pokémon desde la versión de móvil a la versión de Switch. Con esto conseguiremos Pokémon muy potentes cuando lleguemos a ciudad Fucsia. Sustituyéndo este edificio de «intercambio» a la Zona Safari.
También dispondremos de funciones en linea, pero con una restricción: solo puedes jugar online con personas conocidas y que quieran luchar o cambiar contigo.
Al completar el juego dispondremos de los 151 maestros Pokémon que tendremos que vencer y no sera nada fácil esto. Además el post-game incluye que podamos combatir cada día contra los 8 lideres de gimnasio y cuantas veces queramos contra el Alto Mando.
Hay varias preguntas que todo el mundo se hace para este spin–off de la saga, aunque su director principal (Junichi Masuda) no lo considere como tal, ¿es como Pokémon Go? La respuesta es no, tiene las mecánica de captura de Pokémon Go, pero el juego no se ha convertido como tal en la versión de Switch de dicho titulo. Hay partes negativas de esto ya que perdemos las típicas peleas entre Pokémon salvajes para así entrenar a nuestro Pokémon. Aunque esto también trae un lado positivo, no tendremos que combatir contra incontables Pokémon en busca del que deseemos.
La segunda pregunta que se nos puede ocurrir es la siguiente: ¿Si no tenemos Movimientos Ocultos (MO) cómo podremos cortar arboles o surfear? Como ya se implementó en Pokémon Sol, Luna, UltraSol y UltraLuna; tendremos algo muy parecido a lo que vimos en la región de Alola. Tendremos los movimientos mas característicos usado por nuestro Pokémon principal (Pikachu o Eevee), pero sin ocuparnos un hueco de los 4 disponibles para los ataques.
En conclusión, este juego merece la pena por rememorar nuestra infancia, aunque no trae mucho más que la edición de Game Boy, podemos echarle muchas horas ya que tenemos a los maestros de cada uno de los Pokémon de la pokédex. Visitar Kanto en 3D no tiene desperdicio y es muy entretenido volver a enfrentarse a todos los lideres como ya hicimos en nuestras partidas de Pokémon amarillo.
Si hay algo que me fascina de Alfonso Cuarón es su eclecticismo insobornable, su capacidad para saltar de un género a otro con una facilidad pasmosa y encima… hacer que casi todas sus películas sean buenas. El señor adapta a Charles Dickens, y luego hace una comedia dramática, y luego una película de Harry Potter (la mejor de toda la saga, por cierto), y luego un drama distópico de ciencia ficción y luego una aventura espacial y ahora nos viene con un drama costumbrista inspirado en su propia infancia y en las mujeres que lo cuidaron entonces. Y lo clava. Porque Roma (cuyo título viene al caso de que se ambienta en un barrio de clase media-alta llamado así de México D.F.) es una maravilla. Es dura, pero conmovedora. Es un trozo de la vida mexicana de los años sesenta y habla de toda clase de asuntos integrándolos perfectamente en la historia de una criada del hogar de aquellos tiempos.
Tenemos clasismo e hipocresía social, y discriminación del indígena, y pobreza, y machismo, y aporafobia, pero también una humanidad increíble alejada de todo maniqueísmo posible. Los personajes son reales, creíbles cien por cien, dolorosos casi, y están espléndidamente interpretados y todos tienen una pirueta llena de significado que realizar frente al espectador para enriquecer su fresco coral. Desde la mencionada criada hasta sus jefes, de familia rica, pasando por su desconsiderado novio o por los ambiguos niños a los que cuida. Casi ninguno es bueno ni malo, y el a priori más clasista sorprende con destellos de bondad inesperados.
El caleidoscopio social y emocional de Roma es maravilloso, inolvidable, de una lucidez brutal, y contrapone las vidas en la ciudad y en el campo, en la riqueza y en la pobreza, en el cuerpo de un hombre y en el de una mujer. Su fotografía es portentosa, inolvidable, y escenas para el recuerdo tiene cientos, y momentos que ponen los pelos de punta otros cuantos (el plano de la playa y las olas quedará para los anales de la historia del cine: es un clásico instantáneo, desde ya, desde ayer). La nueva película de Cuarón te atrapa y no te suelta, te sumerge en el claroscuro total, te enseña que la vida no es cuestión de blancos y de negros y te muestra que todos somos vileza y luminosidad. Maravillosa. Imprescindible.
Merlí es una de esas series que, por la sinopsis, pueden resultar pedantes y aburridas; doy por sentado que en este país el interés por la filosofía, en general, es escaso o nulo. Sin embargo, con Merlí aprendemos que la filosofía no son solo nombres extraños y conceptos incomprensibles.
Todo comienza cuando la exmujer de Merlí se va a Italia a trabajar y le pide que cuide de su hijo en común, Bruno, quien no tiene buena relación con su padre por haber estado ausente durante toda su vida. Y empeora cuando Bruno descubre que lo han desahuciado, que no tiene trabajo y tienen que irse a vivir con su abuela. Pero para más inri todavía para Bruno, llaman a Merlí para que sea profesor de Filosofía en su instituto.
A partir de entonces, Merlí revolucionará el instituto. No solo a sus alumnos —o como él los llama: los peripatéticos—, sino también a los profesores y a los padres. Y lo hará tanto con lecciones de Filosofía, como con su actitud tan descarada y desvergonzada.
Pero, tranquilos, no vengo a contaros la serie, sino a elogiar esta producción catalana que sabe elegir el momento para hablar de uno u otro filosofo. Y esto es gracias a que, en cada capítulo, vemos alguna relación con la filosofía de cada autor. A veces más acertadas que otras. Y me resulta inevitable comparar esta serie con la ya entrañable Verano azul. No diré más, 40 capítulos de filosofía, risas y momentos en los que se te encoge el corazón.
Y atentos a la noticia, hay un spin-off en camino de la mano de Movistar+ con Pol Rubio como protagonista. Recomiendo a los que no la hayáis visto que os pongáis al día ya mismo porque, además, la tenéis completa en Netflix.
Hace un par de meses, tuve el enorme placer de ver una película muy alejada de los cánones a los que Hollywood nos tiene habituados, ya que esta película no procede de los estudios de cine del mundo occidental, sino del Imperio del Sol naciente.
Zatoichi (2003) nos cuenta la historia de un viejo vagabundo ciego en el Japón del siglo XIX con una envidiable maestría con la espada. Muchos infravaloraron a este formidable espadachín nada más que por ser ciego, lo que les llevó a la muerte. Este vagabundo se gana la vida como masajista, pero también con su buena fortuna en el Chon-Han, un juego de dados, otros de los elementos que pone de manifiesto las intenciones de su director que describo más adelante.
En esta película no solo encontramos luchas, samuráis, sangre y ninjas estereotipados; también encontramos dosis de humor, sobre todo en la cobardía de los malos y en el sobrino de la granjera que una y otra vez trata de igualar la suerte en el juego del protagonista. Sin embargo, si hay algo que realmente me ha llamado la atención de esta película, dirigida y protagonizada por Takeshi Kitano, es la musicalidad que crea en varias de las escenas. No sé si es la marca personal de este director ―porque por desgracia no he podido ver todavía otras de sus obras―, pero encaja perfectamente con la película, ya que utiliza recursos más allá de lo visual para potenciar el sentido del oído del espectador, uno de los recursos que el mismo Zatoichi utiliza para percibir el mundo.
Es esa potenciación de los sentidos la que enreda al masajista en los problemas de dos hermanas geishas con un pasado realmente oscuro, que va desde la muerte de toda la familia hasta la prostitución infantil y que lo llevará a sumergirse en una historia de venganza.
Sin duda, una de las mejores escenas la encontramos al final cuando el masajista… Bueno, se puede decir que al final sucede lo que Kitano nos advierte, no juzgar solo con los ojos, y no digo más porque no quiero desvelaros mucho de esta película ―y menos destriparos el final, como me pasó a mí cuando estaba viendo por primera vez El padrino, lo que llegó a ser una auténtica puñalada trapera por mi propia madre―.
Takeshi Kitano pretende mostrarnos que no todo es lo visual, que el cine no son solo fotografías en movimiento, que también podemos disfrutar de los sonidos y sensaciones. Pero además pretende darnos una lección de vida: podemos hacer muchas cosas sin el sentido de la vista, hemos explotado lo visual y Kitano quiere romper con esa barrera, pues los enemigos o contrincantes del masajista siempre juzgaron por lo que veían, y se puede decir que no acabaron muy bien…
Aprovechando su introducción en el catálogo de Netflix y tirando un poco de nostalgia, he revisionado Heavy Metal, para mí, un clásico del cine de animación y que siempre intento recomendar a mis allegados.
Aunque la película es del 81 y yo de unos años después, es cierto que la vi a corta edad, a pesar de que no es apta para menores (lo que tiene tener un padre guay con el que uno veía desde Expediente X a Pesadilla en Elm Street, así he salido).
No es apta para menores digo, porque no son pocos los desnudos, la apología a la violencia y las drogas, incluso algo de racismo (algo intergaláctico eso sí) y alguna referencia a la religión.
El film comienza con la llegada a la tierra de un astronauta montado en su coche descapotable (sí, sí, eso de las cápsulas ya no se llevaba en el 81), a cargo trae consigo un compartimento en el que esconde una piedra.
Al entrar a casa y ser recibido por su hija se dispone a mostrarle lo que le ha traído desde los confines del espacio, con la sorpresa de que al abrirlo la piedra funde el cuerpo del desafortunado astronauta, dejando a la niña a merced de esta, la cual empieza a hablarle invitándola a mirar dentro de ella…
Lo que tenemos a continuación es una serie de minihistorias en la que nos cuentan las terribles consecuencias de ansiar el Loc-Nar (la inocente piedra de la que hablábamos) y como esta aprovecha cualquier ocasión para desestabilizar el mundo a sus anchas.
Con un diseño bastante bueno para su época y una banda sonora que se compone de mitad piezas orquestales y la otra mitad de temas de grupos metaleros de la época tan conocidos como Black Sabbath, Journey o Blue Öyster Cult.
Sin más que decir, solo venía a recomendaros este film, a que disfrutéis a través de las minihistorias en las que seguramente encontraréis algunas cositas que quizás habéis visto en otras pelis que salieron mucho después (un taxista, coches voladores, una pelirroja en peligro, de algo me suena).
Pasen y vean.
El Studio Ghibli llevaba unos cuantos años con la producción de largometrajes detenida desde que el 3 de agosto de 2014 se diese públicamente esta triste noticia. Supuestamente, Hayao Miyazaki se retiraba, y, para colmo, Isao Takahata casi tampoco estaba activo (murió de hecho, y por desgracia, el pasado 5 de abril de cáncer de pulmón). Aunque el 10 de agosto de 2017 dicho estudio volvió a abrir sus puertas a la producción de filmes largos, algunos directores como Hiromasa Yonebayashi, junto a otros guionistas y animadores, se habían marchado ya y fundado el Studio Ponoc, que muestra en su logotipo a Mary de su primera producción estrella, Mary y la Flor de la Bruja, en lo que es toda una declaración de intenciones (en el de Ghibli, como sabemos, aparece Totoro).
Mary y la Flor de la Bruja, tercera obra de Yonebayashi tras Arrietty y el Mundo de los Diminutos y El recuerdo de Marnie, es una película muy bonita y con una animación impecable, aunque se nota demasiado la sombra alargada, alargadísima, de las obras del mencionado Miyazaki. Niña bruja (que recuerda a Niki de Nicky, la aprendiz de bruja), mundo mágico conectado con el real (que recuerda a El viaje de Chihiro), villanos brujos, abuelita entrañable, metáforas y alegorías, mensaje ecologista y de buen trato hacia los animales, protagonista femenina con gato. Vale, exactamente no es una copia descarada de ninguna película del creador de La princesa Mononoke, pero sí que nos enfrentamos en ella a un déjà vu constante. También tiene algunos fallos de guión y algunas lagunas. Y también, ojo, algunos momentos muy buenos.
Mary y la Flor de la Bruja está basada en la novela La pequeña escoba de palo de Mary Stewart y narra una historia de superación, de aventuras, de integridad y de amor por la naturaleza en la que una niña encuentra el poder de la magia y se enfrenta a unos magos corruptos. En sus partes positivas, tiene una trama que se sigue con fluidez, unos personajes entrañables, un toque siniestro que todo buen cuento de hadas luce bien y, por supuesto, una animación como he dicho impecable. En el punto flaco, como he dicho, todo recuerda demasiado a producciones anteriores de Ghibli, y además a veces con cierto descaro. También la historia recuerdo que tiene lagunas: no se profundiza en el mundo de los magos, y apenas se sabe nada de sus estudiantes y de otros personajes que aparecen de pasada.
El filme tiene momentos excelentes como el duelo en la casita de la bruja y otros fallidos (como una introducción muy desgajada del conjunto general) que le impiden ser redondo. No es, en absoluto, a pesar de todo, una mala producción. Mary y la Flor de la Bruja es animación de la buena. Le falta la brillantez, pero sus fallos no son grandes y sus referencias no llegan a empantanarla por completo. Veremos qué nos trae en el futuro este recién fundado Studio Ponoc.
José Torres Criado
Escritor. Lector omnívoro. Viajero de las viñetas. Melómano indisciplinado. Autor de la novela corta ‘Imagen corporativa’, publicada por Ediciones El Transbordador.
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¿Qué significa Mad Max: Fury Road? Me gusta empezar siempre con esta pregunta. Es un doble juego de palabras. Por un lado, «Mad Max» refiere tanto a Max, el protagonista, como a la «locura máxima» que vemos en la película. Por otro lado, «Fury Road» refiere tanto al personaje estrella de esta entrega, Imperator Furiosa, como a la furia que transmite la película. Así que el título ya nos dice más o menos lo que vamos a ver. ¿Ofrece realmente Fury Road una aventura loca y llena de furia? ¿Esta cuarta entrega está a la altura de la franquicia que dio origen a un subgénero y a un estilo? ¿Ha repercutido en la industria? ¿Nos ha aportado algo?
A esas cuatro cuestiones un servidor respondería con un rotundo “sí”. Pero el jefe me ha dicho que tengo que hablar un poco sobre esta obra maestra, así que encendamos los motores y pongámonos en marcha. What a lovely day!
Cuando Mad Max: Fury Road se estrenó en 2015 estaba muy acojonado. Me gusta tanto el mundo del cine que sufro cuando una película que espero con ilusión me termina decepcionando. Fui al estreno únicamente acompañado por mis nervios. Y bueno, tendría que empezar diciendo que no me estaba creyendo lo que estaba viendo. A menudo había soñado con este tipo de imágenes. Me encantan las películas alocadas que se toman enserio a sí mismas. Es muy difícil conseguir un buen resultado, conseguir que un conjunto de imágenes frenéticas formen una composición armónica entre el relato y la acción sin que la locura acabe convirtiendo a la cinta en un producto sin sentido propio de un lunático.
Pero el cineasta George Miller había vuelto porque aún tenía algo que decir. Un veterano, un hombre prácticamente desaparecido, que se dice que iba a dirigir una adaptación de La Liga de la Justicia. Dichosas las circunstancias que lo llevaron a no poder llevar adelante ese proyecto para traernos este regalo. Y dando una lección a mucha gente que creía, yo el primero, que esto era imposible. Cómo se puede contar tanto con tan poco, cómo se puede ser tan apasionado y colérico sin dejar de dar sentido a lo que estás filmando. Volvía el cine de especialistas, un cine cargado de riesgos y que requiere un grandísimo esfuerzo por parte de todo el equipo. El reparto llevado al límite, dándolo todo. Y qué color, qué técnica, que diseño de producción, qué banda sonora… ¡qué todo!
Por partes. Considero que la película no empieza exactamente en el primer minuto. No, eso sólo es un aperitivo, una presentación de ese nuevo mundo que imagina Miller en su mente. Porque recordemos que cada película de la saga Mad Max es diferente y ha puesto a Max en situaciones diversas, aunque todas esas situaciones siempre han estado llenas de peligros y tragedias. Y en este mundo existen sociedades jerarquizadas, creadas a través del legado que las religiones pasadas han dejado. La esclavitud regresa a las tierras del páramo desierto. Hay hombres que se aprovechan de los más débiles. Y la gasolina es motivo suficiente para librar una batalla en la carretera. ¿Quién podría acabar con esto? Aquel que vaga por el desierto en busca de lo mejor de sí mismo, el primer hombre historia.
El actor Hugh Keays-Byrne regresa a la franquicia para ser un nuevo villano, Immortan Joe. Este hombre ha logrado hacerse con el poder gracias a su influencia como mesías. Ha logrado quebrantar el espíritu de aquellos que anhelan un mundo mejor. Immortan Joe lo ofrece, lo promete, les dice que el Valhalla les espera. Ha unido los restos de la mitología nórdica con ese fanatismo hacia los vehículos, forjando nuevos rituales en los que su ejército llega incluso a sacrificarse, orgullosos de tener una muerte épica y grandiosa en la carretera. De hecho, no morir y fracasar es la mayor de las decepciones para el jerarca Immortan Joe. Y como buen líder y villano busca perpetuar su linaje, así que su solución es apoderarse de las mujeres más fértiles, bellas y sanas, las que puedan darle una mejor descendencia. Y además tiene el recurso más valioso, la aquacola, un nombre bastante irónico pues hace del agua un regalo para su pueblo pero también es el modo de tenerlos atrapados. Un poco de agua, muy de vez en cuando, pues “corren el peligro” de sentirse “adictos”.
Es entonces cuando una misión rutinaria para traer recursos se acaba convirtiendo en una carrera a muerte. Será este personaje que inicia la guerra llevándose las «posesiones» más preciadas del patriarca, Imperator Furiosa (Charlize Theron), quien dé el pistoletazo de salida, pues es quien nos dice que ahora ha empezado la película justo cuando avisa con el claxon de su camión. Es una forma muy sutil de romper la cuarta pared, pues Miller no sólo pone ese detalle a nivel narrativo para que los personajes sepan que el peligro ha llegado. También está ahí para que el espectador se prepare, para que ponga cómodo su culo sobre el asiento porque va a empezar algo épico y grande.
Y ahí está el pobre Max, que había sido capturado en los primeros minutos, usado como una “bolsa de sangre”, ya que su sangre es la valiosa al poder donar a cualquiera. Le han robado su coche, el Interceptor. Ni siquiera tiene su chaqueta. La clave de un personaje como Max Rockatansky (Tom Hardy) es que importa mucho e importa poco. Él simplemente pasaba por allí y se ha visto envuelto en esa situación. No tiene apego por nadie ni se siente obligado moralmente a prestar su ayuda. Sin embargo, Mad Max: Fury Road funciona como una “falsa secuela” en la que Max es un hombre atormentado por todos aquellos que ha dejado morir por el camino. No será hasta que se acerque el final cuando entienda las palabras de Imperator Furiosa, aquella que busca algo más valioso que la libertad: la redención.
Así que Mad Max: Fury Road es un conjunto de muchas cosas: política, religión, filosofía, mitología… todos los personajes de la película son imperfectos, desechos de un mundo acabado que ya ni siquiera recuerda cómo era ese viejo mundo en el que los líderes hablaron y hablaron sin aportar ninguna solución provocando un estallido que arrasó la tierra y los océanos. La nueva historia se escribe a través de un personaje como Max, el hombre que está ahí para echar una mano aunque no sea lo que quiera en un principio. Es un superviviente. Lucha por sobrevivir y se le da bien, mejor que a nadie. Es un guerrero de la carretera.
Pocas películas logran tener tanto sentido en sus elementos individuales como en su conjunto. Cada detalle está medido al milímetro. El hecho de que haya un personaje que use una guitarra durante una persecución podría calificarse como una “ida de olla” del director, pero encaja porque estas persecuciones son las batallas que se libran en este mundo. No se lucha a pie, se lucha a lomos de una criatura que tiene motor y ruedas. Y esta gente ha crecido con la influencia de los restos del pasado y les ha llegado el testigo de un mundo en el que los soldados eran llevados a la guerra a ritmo de tambores.
Mad Max: Fury Road es un gran regalo. El mejor presente que se le puede hacer a un amante del cine de acción. Considero que todo es perfecto, incluso esa sencillez en la que la trama se basa únicamente en ir del punto A al punto B y viceversa. Es sólo eso, pero hay mucho más que eso. Hay profundidad. Hay reflexión. Hay humanidad. Y me alegra haber sido testigo de esta película tres veces en el cine. No sé si algún día volverá Max con otra entrega. Tampoco sé si lo haría junto a Imperator Furiosa, personaje que para mí posiblemente ha sido el mayor descubrimiento cinematográfico en años.
Y sinceramente, creo que Mad Max: Fury Road es una película que puede contarse sin miedo a la gente. Porque más allá de todas las lecturas que podamos hacer como espectadores, lo que no se puede contar es el frenesí que se siente al ver esas enormérrimas persecuciones. Su influencia ha sido evidente desde su estreno. No en vano también fue, para mi sorpresa y asombro, una película elogiada por los académicos del cine. De nuevo, creo que todo es perfecto en esta cinta. No quitaría nada ni añadiría nada. Tampoco cambiaría absolutamente nada. Se merece simplemente un estruendoso aplauso.
Escrito por Javier Fernández López.
Twitter: @ZanderStrife
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