Roma: Una maravilla en blanco y negro

Si hay algo que me fascina de Alfonso Cuarón es su eclecticismo insobornable, su capacidad para saltar de un género a otro con una facilidad pasmosa y encima… hacer que casi todas sus películas sean buenas. El señor adapta a Charles Dickens, y luego hace una comedia dramática, y luego una película de Harry Potter (la mejor de toda la saga, por cierto), y luego un drama distópico de ciencia ficción y luego una aventura espacial y ahora nos viene con un drama costumbrista inspirado en su propia infancia y en las mujeres que lo cuidaron entonces. Y lo clava. Porque Roma (cuyo título viene al caso de que se ambienta en un barrio de clase media-alta llamado así de México D.F.) es una maravilla. Es dura, pero conmovedora. Es un trozo de la vida mexicana de los años sesenta y habla de toda clase de asuntos integrándolos perfectamente en la historia de una criada del hogar de aquellos tiempos.

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Tenemos clasismo e hipocresía social, y discriminación del indígena, y pobreza, y machismo, y aporafobia, pero también una humanidad increíble alejada de todo maniqueísmo posible. Los personajes son reales, creíbles cien por cien, dolorosos casi, y están espléndidamente interpretados y todos tienen una pirueta llena de significado que realizar frente al espectador para enriquecer su fresco coral. Desde la mencionada criada hasta sus jefes, de familia rica, pasando por su desconsiderado novio o por los ambiguos niños a los que cuida. Casi ninguno es bueno ni malo, y el a priori más clasista sorprende con destellos de bondad inesperados.

El caleidoscopio social y emocional de Roma es maravilloso, inolvidable, de una lucidez brutal, y contrapone las vidas en la ciudad y en el campo, en la riqueza y en la pobreza, en el cuerpo de un hombre y en el de una mujer. Su fotografía es portentosa, inolvidable, y escenas para el recuerdo tiene cientos, y momentos que ponen los pelos de punta otros cuantos (el plano de la playa y las olas quedará para los anales de la historia del cine: es un clásico instantáneo, desde ya, desde ayer). La nueva película de Cuarón te atrapa y no te suelta, te sumerge en el claroscuro total, te enseña que la vida no es cuestión de blancos y de negros y te muestra que todos somos vileza y luminosidad. Maravillosa. Imprescindible.

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Cargo

En una de estas que pones Netflix y empiezas a rondar las categorías buscando que ver una tarde cualquiera, te acuerdas de que viste el tráiler de una que te llamó la atención sobremanera, hablamos de Cargo, una producción de la mismísima Netflix que se estrenó hace poco en la conocida plataforma de suscripción.

Y cual es mi sorpresa cuando empiezo a ver la película al encontrar imposible clasificarla dentro de un género en específico… me explico:

¿Es una peli de zombis?

Sí.

Pero también es un film dramático, no estamos antes un «Amanecer de los muertos» o «28 días después», así que si esperas la típica de zombies siento decirte que no, no es lo que estás buscando.

Así que abre la mente.

Desde este punto del análisis puedes encontrar algún spoiler, así que si no la has visto, HUYE.

La cinta está ambientada en una Australia devastada por una pandemia de la que nos dan más datos que uno simple, si estás infectado te quedan aproximadamente unas 48 horas de vida.

Nos encontramos en un barco a una familia formada por Andy, Lorraine y la hija de ambos, Rosie, una linda bebé.

Desesperados ante tener que racionar la comida que les queda van en busqueda de un lugar mejor para proteger a la pequeña, Andy por suerte encuentra una embarcación con recursos suficientes para unos meses y poder continuar con su travesía.

Pero como siempre —es el recurso más explotado en este tipo de cine—, siempre hay una escena en la que uno de los personajes comete el error o más bien dicho la estupidez de cagarla en contra de los intereses del grupo.

En este caso le toca a Lorraine que no contenta con lo que ha encontrado su amado Andy decide ir en busca de más al dichoso barquito donde¡ PLAS! bocado al canto.

Y aquí empieza el drama, 48 horas de vida y buscar soluciones a contrarreloj no son dos cosas que vayan bien de la mano, y los errores empiezan a venir en cadena, principalmente porque el virus es algo «inestable»: espamos, vómitos, supuraciones y desmayos.

Es donde la película es totalmente distinta a lo que estamos acostumbrados, no va de zombis; va de una familia intentando dar el mejor futuro posible a su hija indefensa, desde aquí en adelante se nos muestra una Australia aborígen donde las tribus queman los restos de los cadaveres, nos muestran que estos no muertos son sensibles a la luz o que hay gente que desde que ocurre una tragedia ya está preparando estrategias para enriquecerse en cuanto la cosa mejore un poco (a toda costa, por supuesto).

Sin más que esta introducción os invito a que le echéis un vistazo a este film que muestra una visión distinta del mundo zombi; a mí me hizo lagrimear un poco, no os voy a mentir.

Tenéis un poco de todo, personajes entrañables como Thoomi, amables como Etta y odiosos como Vic, escenas un poco crudas de ver sin llegar al gore al que nos acostumbran y momentos bastante emotivos que a mí me hicieron decir al final entre risas con quien me acompañaba:

«¿Acabo de ver una película de zombis, entrañable?».

Un saludo y espero disfruten el artículo y, posteriormente, de Cargo.

Manuel Luque

‘Les premiers, les derniers’

Les premiers, les derniers nos cuenta la historia de dos cazarrecompensas  que están buscando un teléfono móvil de un influyente cliente. En su camino se cruzarán con varias dificultades y dos jóvenes amantes.

Dirección y reparto

Bouli-Lanners
Lanners, director de ‘Les premiers, les derniers

Bouli Lanners nos trae esta película como director, guionista y actor. El belga, director de las películas Los gigantes (2011), Eldorado (2008) y Ultranova (2004), nos trae su cuarto largometraje que ha sido premiado en la 66ª edición del Berlinale a la mejor película europea de la sección Panorama y el Premio del Jurado Ecuménico.

Lanners interpreta a Gilou, uno de los dos cazarrecompensas que buscarán el móvil de un influyente cliente. Junto con su perro, Gibus, y su compañero Cochise, interpretado por Albert Dupontel, viajarán a una zona rural de Francia siguiendo la señal de GPS del móvil. Este dúo de cazarrecompensas representan claramente la  racionalidad y saben actuar con frialdad, saben lo que hacen. Suzanne Clément también entra en la acción ayudandolos. Un personaje clave que ayude a que ambos dúos, los cazarrecompensas y los amantes, de los que hablaré ahora, acaben juntos.

Por el contrario, Aurore Broutin y David Murgia interpreta a Esther y Willy, una pareja de amantes llevados por la locura y la pasión. Son más imprudentes y cometen temeridades. Tanto que acabarían disparando accidentalmente en la mano de Jesús, el misterioso personaje que da vida Philippe Rebbot, y trata de ayudar a los jóvenes amantes. Jesús es un personaje muy misterioso y sus alusiones son claras ya desde el principio, sumando eso a una continua serie de misteriosas idas y venidas, un estigma en la mano ─por el disparo─ y que se refugien en una iglesia. Es una clara alusión a Jesucristo y puede decirse, respecto al guión, que es el deus ex machina del largometraje. Su aspecto no es el habitual de la toga, sino que parece más un sin techo.

Guión

Dos cazarrecompensas detrás de un teléfono móvil, la idea no es para tanto, a mi parecer. Pero se ha llevado de manera extraordinaria, se ha sabido llevar con los personajes. Me ha gustado esa oposición de los personajes sensatos y maduros con los jóvenes e imprudentes.

Se da como premisa que deben buscar el móvil, pero en la película el móvil no tiene tanta relevancia el móvil. Y he aquí lo que considero un error, cuidado que es spoiler, ¿Por qué el dueño del móvil contrata a dos cazarrecompensas, si después va a personarse para recuperarlo? Vale que los cazarrecompensas se negaron a recuperarlo una vez que sabían que contenía, pero no le veo lógica.

Por otro lado, los dos jóvenes creen que es el fin del mundo y van a ver a la hija de Esther. Se topan con Jesús, quien aparece y desaparece como Pedro por su casa, pero pronto Esther y Willy se separarán tras haber robado sustento en un hotel y empujado a dos limpiadoras que les impedía huir. Esta pequeña agresión le traerá problemas con una pequeña mafia local. Una de las limpiadoras era la mujer del cabecilla.

Música y fotografía

La música es muy característica, muy rural. Quizás más propia de un western que de una película francesa, pero eso no significa que aquí desentone. Han dado en el clavo. Y la fotografía invita a creer que se trata de un western. Las desiertas llanuras de Francia, en cierta manera, se asemejan al oeste americano. No es cosa mía, mirad el trailer y veréis que tiene su parecido, además de que la ausencia de extras refuerzan esta idea.

Para acabar…

Una película nada mala, que desgraciadamente no se ha llevado nada de este pasado Fancine. No os puedo decir que sea una obra maestra, pero no resulta tedioso de ver.

Trailer y sinopsis

En una llanura infinita barrida por el viento, Cochise y Gilou, dos cazadores de recompensas inseparables están buscando un teléfono robado con contenido muy importante. Su camino se cruza con el de Esther y Willy, una pareja en fuga.

Este artículo fue publicado originalmente en Akrox.com

Kauflanders

Olaia Sendón presentó el pasado 26 de abril en la 19.ª edición del Festival de Cine Español de Málaga Kauflanders, una mezcla entre documental y película que que nace en 2011 y en la que aparecen varias amigas que conversan sobre aspectos actuales de la vida debatiendo sobre sus vidas pasadas y el futuro que les depara. Celia González, Elisa Vecino, Iria Pinheiro, Victoria Pérez, María Liado entre otros, son algunas de las actrices que aparecen.

Kauflanders (tierra de compras en alemán) es una película gallega (emitida en V. O. S. E.) que trata de reflejar las inquietudes y preguntas que en 2011/2012 aproximadamente, a raíz de la crisis, merodeaban las mentes de un grupo de personas con un futuro asegurado que en cuestión de meses comienza a desvanecerse. Toda la proyección gira en torno a un ente llamado Kauflan que nos maneja a todos.

La directora, tras la proyección de la película aseguró: «No se trata de una película científicamente correcta, lo que quería conseguir con ella era una rebelión absoluta para expulsar todo lo malo. Las conversaciones que aparecen son sacadas tal cual de las charlas que amigos míos mantenían en reuniones que organizábamos, las actrices no ejercen más que de altavoces de diálogos reales […]. La comida la hacía yo misma y los planos que aparecen de ella son tomados por mí mientras cocinaba».

En cuanto a la distribución de los planos, la película entrelaza escenas en blanco y negro de primeros planos de amigos reales de la directora que leen una serie de parábolas sacadas de textos religiosos trasladadas y amoldadas a la situación social del momento. Asimismo Olaia aseguró: «Es fantástico trabajar con actrices y he de confesar que le tenía un poco de pánico ya que es mi primera vez, pero mis amigos han hecho una labor excepcional y estoy muy contenta por ello, todos han hecho un poco de todo».

Para ella también es muy importante el tiempo ya que, tal y como se definió ella misma, se considera una persona muy nostálgica.

Finalmente continuó diciendo: «Mi idea inicial era llamar a la movilización, pero finalmente se ha quedado un poco descafeinada la idea […]. Hay cosas que se dicen en la película con las que estoy de acuerdo y otras que no, pero al ser transcripciones tal cual del momento no he querido modificar nada. Esto es así hasta el punto que los subtítulos al castellano que aparecen en la película, son copiados tal cual del guion que tenían las actrices; ahí se ve el margen de improvisación que cada una tiene».

¿Para dónde vamos? Se pregunta a lo largo de toda la película la directora, un misterio que aún está por resolver y que navega en un mar de cambios.

@albaleon

Bridgend

p-bridgendAunque Bridgend puede parecer, en un principio, bastante interesante, el desarrollo de la misma resulta algo confuso. En el transcurso de la película no se dan explicaciones de las vidas de los personajes ni de las situaciones que se viven. Como excepción, se centra en la vida de la protagonista, interpretada por Hannah Murray, a la que se ve cómo empieza a cambiar su personalidad a lo largo de la película, en parte causado por pasar tiempo con un grupo de chicos.

Esta historia está basada en hechos reales y es que en el periodo de diciembre de 2007 a enero de 2012 se cometieron, oficialmente, 79 suicidios en Bridgend, el condado en el que vivía la familia de la protagonista. Además, al final de la película se explica que siguen habiendo suicidios siguiendo la oleada de 2007 a 2012; sin embargo, eso tampoco se sabe a ciencia cierta, ya que puede ser un recurso del director para ponerle un broche misterioso al filme, o utilizarlo como excusa para el final cortante de la película. Además, hay situaciones en Bridgend que no aparentan tener sentido, pues los adultos que intervienen en ella achacan los numerosos suicidios de los adolescentes a la edad.

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Un escenario que toma gran relevancia en la película es el de un lago, que parece ser que una de las causas de esos suicidios. Puede atribuirse en parte al agua que sale de allí, ya que como vemos en el cartel oficial del filme, aparecen los cuerpos de los jóvenes flotando inertes.

Esta película se puede ver como una representación de los cambios de humor que pueden sentir los adolescentes: por un lado pueden estar felices y animados, mientras que por otro sus ánimos pueden estar por los suelos. Este desequilibrio se ve bastante claramente en el grupo de jóvenes que se forma, en el que siempre hay alguien que ejerce como líder y el resto sigue sus instrucciones, incluso cuando alguno de ellos no comparte esa visión se le hace pagar, como si fuera una dictadura.

2-bridgendTambién se ve cómo Sara, la protagonista, empieza a descubrir sensaciones de la vida, al encontrar en Jamie uno de los sentimientos más profundos que se pueden sentir: el amor y la pérdida del mismo. El mayor cambio que vemos en Sara se encuentra cuando su padre intenta ejercer de policía, prohibiéndole ver al chico del que se ha enamorado. Ella no consigue cumplir lo que su padre le ordena y rompe con todo el pasado antes de su llegada al pueblo.

Esta actitud la podemos considerar como un intento de encajar con los jóvenes de la zona, dejando de lado las cosas que le gustaban y apartando todos los recuerdos que tenía de su antigua ciudad, Bristol, actuando de manera reservada para que los demás no vean la sobreprotección a la que está sometida por su padre.

La siguiente cita de Gabriel Rolón resume perfectamente la filosofía que la película nos intente transmitir:

«Hay una diferencia entre el que hace el intento y el que es suicida. No todo aquel que hace un intento de suicidio es un suicida. Hay gente que hace el intento porque en su mente cree que no lo va a lograr. A veces le sale mal y le pasa».

Finalmente, los adolescentes del condado se dieron por vencidos antes de tiempo, antes de seguir luchando, Sara perdió su rumbo, olvidó su pasado y se dejó llevar por la moda, lo que la lleva por el oscuro y trágico camino que constituye Bridgend.

@andreagonzalez

Anomalisa

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Charlie Kaufman es, sin lugar a dudas, uno de los grandes guionistas cinematográficos de nuestro tiempo. Desde hace varias décadas, Kaufman nos ha brindado algunas de las mejores historias del Hollywood reciente: Cómo ser John Malkovich (Spike Jonze, 1999), Adaptation (El ladrón de las orquídeas) (Spike Jonze, 2002), Confesiones de una mente peligrosa (George Clooney, 2002), Olvídate de mí (Michel Gondry, 2004) —por la cual consiguió alzarse con la estatuilla al mejor guion original en la gala de los Óscar de 2004— y Synecdoche, New York (dirigido por el propio Kaufman, 2008) son el conjunto total de historias que Kaufman ha guionizado, de momento, para la gran pantalla. Ahora, en Anomalisa y junto con Duke Johnson, nos encontramos su debut como director en animación con un guion además escrito por él mismo y con la participación del talentoso Dan Harmon, conocido por ser el creador de las series cómicas Community y la reciente Rick y Morty.

Su punto de partida en sí mismo es inteligentísimo y sumamente irónico: Michael es un autor conocido por ser motivador profesional que escucha a todo aquel que le rodea con la misma voz masculina. Esta extraña particularidad provoca en el protagonista una sensación de monotonía por la cual todo en la vida le resulta aburrido y desagradable. Sin embargo, esto cambia cuando, en mitad de un viaje de negocios, Michael escucha una voz femenina que resulta ser de una joven llamada Lisa, por la cual está dispuesto a dejar todo lo que tiene y empezar así una nueva vida a su lado.

*El universo creado por Kaufman y Harmon es terriblemente real: sus personajes y situaciones son divertidas y funcionan porque a pesar de algún que otro momento «fantástico», marca de la casa, se enmarcan en un contexto aparentemente banal que esconde una profundidad de sentimientos complejísima. El protagonista es, sin duda, el personaje mejor construido: Michael se embarca en un viaje sin un destino aparente y descubre una salida que podría conducirle hacia la felicidad y los espectadores somos capaces de empatizar plenamente con él porque Kaufman y Johnson nos muestran a un hombre vulnerable, desnudo ante la vida, un hombre con defectos que hace lo que puede por dar al mundo algo que lo haga mejor.

El resto de personajes sorprendentemente no se queda atrás: en Anomalisa somos testigos de cómo Michael se relaciona con diversos personajes secundarios —todos ellos doblados con la maravillosa voz de Tom Noonan— y de las hilarantes conversaciones que tienen, con un tono humorístico simple, pero muy efectivo y que funciona mucho mejor que la mayoría de comedias. Sin embargo, no es otra que la propia Lisa, la chica anómala, la que nos roba el corazón; nos encontramos ante una mujer frágil, no muy agraciada y con complejo de inferioridad, pero que posee una chispa y una gracia que, a ojos de Michael —y del público—, se vuelve el ser humano más mágico y maravilloso del mundo. Quisiera poder comentar con más detalle la relación entre ambos y los diferentes momentos por los que pasan, pero sencillamente se trata de un viaje con el que lo importante son las conclusiones que se pueden sacar sobre el sentido de la vida, el amor y la felicidad.

En definitiva, Anomalisa es probablemente la película más humana —junto con la maravillosa Del revés (Pete Docter, Ronnie Del Carmen , 2014)— y divertida del año: un drama a la altura de todo lo escrito por Kaufman con un tono intimista —que además recuerda mucho al último trabajo de Spike Jonze, Her, del que podréis leer una interesantísima reflexión aquí— que nos muestra a un hombre que no es capaz de encontrarse a sí mismo, que se siente atrapado en una vida monótona en la que no parece haber salvación. Aunque la propia película nos enseña al final que, incluso en los momentos más oscuros y desoladores, siempre hay una salida.

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Año: 2015 País: Estados Unidos
Dirección: Charlie Kaufman, Duke Johnson
Reparto: David Thewlis, Jennifer Jason Leigh, Tom Noonan
Género: Comedia, drama
Duración: 90 min.

La película tiene por protagonista a un motivador profesional que, cuanto más ayuda a la gente, más monótona y anodina es su vida; todo el mundo le parece y le suena igual. Hasta que la voz de una chica le suena diferente y está dispuesto abandonarlo todo y a todos por alcanzar la felicidad con ella. Película de animación escrita por Charlie Kaufman (Adaptation) con la colaboración de Dan Harmon (creador de Community).

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Men and chicken

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Este año Men and Chicken ha sido la película que ha dado comienzo a mi Fancine, que además es especial, pues es el 25º aniversario de este festival.

Para empezar a hablar de la película, puedo decir que Men and Chicken es una comedia con bastante humor, y que pese a haber sido un acto de fe el haber comprado las entradas sin tener mucha idea de qué iba, me ha agradado mucho.

La película nos presenta a dos hermanos muy distintos, Elias y Gabriel, quienes tras la muerte de su padre se enteran, a través de una cinta grabada por el difunto, que este no era su padre biológico. Su verdadero progenitor vive en Ork, una isla que se pudre con el paso del tiempo y que cuenta con la escasa población de solo 41 almas. Allí se dirigen y conocen a su familia real en una reunión muy extraña, que dará lugar a la revelación de muchos secretos sucios.

La trama, que en un principio me parecía simple, llana y bastante típica, da un vuelco en la segunda mitad de la película que me ha hecho dudar de todo lo que había visto antes. Después, ya pensando y recordando algunas partes, sí que he ido hilando las pistas que iban dando con más facilidad y todo cobraba más sentido.

Al empezar, la colocaba dentro de la comedia, pero después sufre un cambio, no muy grande, pero sigue siendo un cambio, que la hace pasar a ser algo parecido a  una comedia con tintes de ciencia ficción. El tono de la película es difícil de señalar pues cambia de forma muy fluída y libre, cambiando de un drama oscuro a una comedia lunática.

Los personajes están bien caracterizados dando en todo momento, salvo en uno, las facultades que el director les ha querido calzar. Esto se logra gracias a los gags recurrentes de cada uno de los personajes, que nos permiten familiarizarnos con ellos con facilidad.

Como en toda reseña de película cómica, voy a analizar un poco el humor que se destila en Men and Chicken. Nos encontramos ante una comedia repleta de un fresco y fantástico humor negro que a veces puede ser un poco absurdo. Esta mezcla, tal y como es presentada en la película, puede resultar algo rara y no gustar a parte del público, bueno, puede que a gran parte del público, pero a mi la verdad es que me ha sorprendido mucho y para bien, provocándome muchas carcajadas a golpe de animal disecado.

Mænd og høns (Anders Thomas Jensen, DK, 2015)

Desde el punto de vista filosófico, Men and Chicken trata ciertos temas bastante interesantes enmascarados en ese delicioso humor negro y absurdo que la caracteriza, como pueden ser los avances genéticos, la psicología, la corrupción del gobierno y varios rincones secretos de la naturaleza humana.

Una vez he acabado con los puntos fuertes, voy a pasar a los puntos débiles de la película. Solo puedo mencionr un  poco, ya que la película me ha parecido fantástica, pero empezaré señalando la risa falsa de la señora mayor de unas de las últimas filas que me ponía muy nervioso. Otra cosa que quiero mencionar es que la posible lentitud de la película en ocasiones se pierda el ritmo establecido antes, y hace que parezca que meten escenas para rellenar y que la película abulte más. Volviendo al tema del humor hay algo que también podría considerar como malo. Bueno, más bien como pesado, que sería la repetición de ciertas bromas, que aunque son claves para la explicación de ciertas partes de la trama, se pueden hacer algo cansadas para algunas personas.

En definitiva, Men and Chicken es una película grata de ver, y que además de provocar muchas risas va a hacer que se piense en algunos temas que no suelen tratarse demasiado.

Adrián Medina

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Año: 2015 País: Dinamarca
Dirección: Anders Thomas Jensen
Reparto: Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Nicolas Bro, David Dencik, Bodil Jørgensen, Rikke Louise Andersson, Ole Thestrup, Birthe Neumann, Kirsten Lehfeldt, Kjeld Nørgaard, Stig Hoffmeyer, Daniel Engstrup, Lisbet Dahl, Maj-Britt Mathiesen, Lars Lunøe
Género: Comedia, Drama. Comedia Negra
Duración: 104 min.

Gabriel es profesor universitario. Elias pasa el rato masturbándose y pensando en mujeres. Solo tienen una cosa en común: son hermanos. El fallecimiento de su padre les conducirá a descubrir que este no era su padre biológico. La búsqueda de su verdadero progenitor llevará a Elias y Gabriel a conocer a otros tres hermanos, una panda de violentos perseguidos por las autoridades. (FILMAFFINITY)

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Tale of Tales

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Basada en los cuentos de Giambattista Basile, escritor napolitano nacido en el siglo XV, esta película en un principio nos puede recordar a historias que conocemos de siempre, puesto que posteriormente a la publicación de Basile, encontramos adaptaciones de Charles Perrault y los hermanos Grimm, e incluso encontramos escenas que recuerdan a la historia de Eros y Psique.

Todo comienza en silencio, solo se escucha a una troupe preparándose para actuar ante el rey y la reina. La reina se molesta y sale corriendo de rabia e impotencia al ver que una de las mujeres estaba encinta. Efectivamente, la reina no conseguía concebir a ningún heredero del reino, sin embargo, la magia hará milagros. ¿He dicho magia? Digamos, remedios. Porque aquí no escucharemos abracadabra ni wingardium leviosa. Tampoco veremos ridículos efectos especiales con chispas, flashes, purpurina y humo. No, hablamos de magia medieval, sin palabras mágicas, solo acciones que llevan a una consecuencia irreal, de seres fantásticos dignos de un bestiario.

Podría contaros más, pero prefiero que disfrutéis de la película y que no sea yo el que os destripe que al final de toda película siempre hay un fin. Y en esta película, como en los cuentos de Basile, encontramos moralejas, ya sea por la envidia de una hermana o por un padre que se cree demasiado listo acaba arrepentido, en otras ocasiones encontramos una juventud frágil ─lo que fácil viene, fácil se va─ e incluso, para dejar de vivir con miedo, tiene que ser uno mismo quien acabe con él. Screen shot 2015-05-09 at 2.02.43 PM

Con todo esto quiero decir que se plasma perfectamente con la mentalidad de la Edad Media, con una finalidad incluso didáctica. En definitiva, en esta película se hace real lo que hoy en día nos parece increíble, esa fantasía que, hace siglos, era tomada por algo real.

[/vc_column_text][/vc_column][vc_column width=»1/3″][vc_column_text css=».vc_custom_1449338737680{padding: 10px !important;background-color: #e0e0e0 !important;}»]tale of talesAño: 2015 País: Italia
Director: Matteo Garrone
Reparto: Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones, John C. Reilly, Alba Rohrwacher.
Género: Drama, Fantástico.
Duración: 125 min.

Había una vez tres reinos vecinos con maravillosos castillos en los que reinaban reyes y reinas, y príncipes y princesas. Un rey fornicador y libertino, otro rey cautivado por un animal extraño; una reina obsesionada por su deseo de tener un hijo… brujas y hadas, peligrosos monstruos, ogros y viejas lavanderas, acróbatas y cortesanos son los héroes de esta interpretación libre de los célebres cuentos de Giambattista Basile.

Ver ficha en FilmAffinity[/vc_column_text][vc_raw_html]

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Eneida: El eterno viaje de no claudicar

En este tremendo drama griego que es la vida, en este constante torrente de sinsabores e infortunios que nos sobrevienen continuamente no debemos, por más que nos cueste, ofrecer nuestra rendición sin antes ─¡qué menos!─ haber desenvainado nuestra espada.

Hay obras literarias que son ciertamente eternas; son muchas y de diversas clases. Pero lo realmente valioso que podemos extraer de un buen libro no es la maestría del autor o la belleza con la que exhibe las historias que ha conseguido entretejer. Nada más alejado. Existe, creo, algo que hace vitales a ciertas obras literarias que es, ni más ni menos, su mensaje. Realmente parece algo baladí, pero es una cuestión en la que no reparamos con el debido detenimiento. Una de estas maravillosas obras selectas que encontramos es la Eneida de Virgilio, la misma que escribió ese hombre áspero de carácter que lograba plasmar en sus palabras un sentimentalismo totalmente ajeno a su personalidad. Grosso modo, la Eneida narra la historia de la caída de Troya, el arduo camino que debieron recorrer los supervivientes de aquella guerra y, más concretamente, todas las vicisitudes a las que se tuvo que enfrentar Eneas, quien, a la postre, se convertiría en el fundador de lo que más tarde se conocería como Roma.

Hay un pasaje cuya cita, desde que leí la obra, retumba en mi cabeza incesantemente sin pedir perdón ni permiso: «La única salvación para los vencidos es no esperar salvación alguna.» Palabras de Eneas, que resonaron entre los jóvenes troyanos dispuestos a convertirse en el último bastión y reducto de esperanza de una incendiada y prácticamente derruida Troya. Si bien no conseguirían salvarla de las armas griegas, al menos morirían con orgullo habiendo defendido, hasta el último aliento, lo que para ellos era lo más preciado. Su ciudad. Su honor. Su vida.

Más allá de lo épico de la historia, dicha sentencia tiene un mensaje que se convierte en trascendental para nuestra propia vida, para nuestro propio día a día. La vida no se encuentra dispuesta en una amplia mesa de salón sobre un fino mantel donde podamos elegir los manjares que más satisfactoriamente sacien nuestro apetito. Cierto es que esto no funciona así. La vida es un tremendo viaje en el que nos vemos asaltados con demasiada frecuencia por diferentes peligros y obstáculos que pretenden enmudecernos y privarnos de aquello que consideramos como una buena vida buena. Y, al igual que pronunciaba Eneas, no debemos ni por un instante esperar a que alguien venga a socorrernos de nuestros abismos ni que espanten los fantasmas de nuestro pasado, porque esta es única y exclusivamente una misión que hemos de afrontar nosotros mismos. Nosotros, cada uno de nosotros, somos quienes tenemos la potestad y el poder de conferirle sentido a nuestras vidas. Cada cual es actor principal de su propia obra, cada cual puede hacer que el teatro retumbe en vítores y aplausos o que enmudezca de aburrimiento por una obra ─¡y una vida!─ que cualquiera podría haber protagonizado. Nosotros, y solo nosotros, podemos cambiar el rumbo de nuestras vidas y hacer que cada golpe y cada caída sirvan para ser un poco mejores y alcanzar, finalmente, esa esperada vida buena que tanto anhelamos.

Busquemos en nosotros mismos. Hallemos el papel de nuestras vidas.

José Manuel Gragera Junco